A Arte do Renascimento

O Renascimento começou durante o século XIV e permaneceu o estilo dominante na Itália e em grande parte da Europa, até o século XVI. O termo “renascimento” foi desenvolvido durante o século XIX para descrever este período de tempo e o estilo artístico que o acompanha. No entanto, as pessoas que viviam durante o Renascimento se viam diferentes de seus antecessores medievais. Através de uma variedade de textos que sobrevivem, sabemos que as pessoas que viviam durante a Renascença viam a si mesmas como diferentes, em grande parte porque estavam deliberadamente tentando imitar os Antigos na arte e na arquitetura.

Florença e o renascimento

Quando você ouve o termo “Renascimento” e retrata um estilo de arte, provavelmente você está imaginando o estilo renascentista que foi desenvolvido em Florença, que se tornou o estilo dominante da arte durante o Renascimento. Durante a Idade Média e o Renascimento, a Itália foi dividida em várias cidades-estados diferentes. Cada cidade-estado tinha seu próprio governo, cultura, economia e estilo artístico. Havia muitos estilos diferentes de arte e arquitetura que foram desenvolvidos na Itália durante o Renascimento. Siena, que era um aliado político da França, por exemplo, manteve um elemento gótico em sua arte durante grande parte do Renascimento.

Certas condições ajudaram o desenvolvimento do estilo renascentista em Florença durante este período de tempo. No século XV, Florença tornou-se um importante centro mercantil. A produção de tecido impulsionou a economia e surgiu uma classe de comerciantes. O humanismo, que se desenvolveu durante o século XIV, continuou sendo um importante movimento intelectual que impactou também a produção artística.

Renascimento adiantado

Durante o início do Renascimento, os artistas começaram a rejeitar o estilo bizantino de pintura religiosa e se esforçaram para criar realismo em sua representação da forma e do espaço humanos. Este objetivo em relação ao realismo começou com Cimabue e Giotto, e atingiu o seu apogeu na arte dos artistas “Perfeitos”, como Andrea Mantegna e Paolo Uccello, que criaram trabalhos que empregaram uma perspectiva pontual e brincaram com perspectiva para o seu conhecimento artístico e conhecedor. visualizador.

Durante o início do Renascimento também vemos desenvolvimentos importantes no assunto, além do estilo. Embora a religião fosse um elemento importante na vida cotidiana das pessoas que vivem durante a Renascença, e permanecesse um fator determinante por trás da produção artística, também vemos uma nova avenida aberta para ofegar – o assunto mitológico. Muitos estudiosos apontam para o Nascimento de Vênus de Botticelli como a primeira pintura em painel de uma cena mitológica. Embora a tradição propriamente dita tenha surgido da pintura em cassone, que normalmente apresentava cenas da mitologia e de textos românticos, o desenvolvimento da pintura em painéis mitológicos abriria um mundo para o patronato artístico, a produção e os temas.

Alta renascença

O período conhecido como Alta Renascença representa a culminação dos objetivos do início da Renascença, ou seja, a representação realista de figuras no espaço prestadas com movimento credível e em um estilo apropriadamente decoroso. Os artistas mais conhecidos desta fase são Leonardo da Vinci, Rafael, Ticiano e Michelangelo. Suas pinturas e afrescos estão entre as obras de arte mais conhecidas no mundo. A Última Ceia de Da Vinci , A Escola de Atenas de Rafael e a Capela Sistina de Michelangelo As pinturas de teto são as obras-primas deste período e incorporam os elementos da Alta Renascença.

Maneirismo

A alta pintura renascentista evoluiu para o maneirismo em Florença. Artistas maneiristas, que conscientemente se rebelaram contra os princípios do Alto Renascimento, tendiam a representar figuras alongadas em espaços ilógicos. A erudição moderna reconheceu a capacidade da arte maneirista de transmitir uma emoção forte, muitas vezes religiosa, quando o Alto Renascimento não o fez. Alguns dos principais artistas desse período são Pontormo, Bronzino, Rosso Fiorentino, Parmigianino e o aluno de Rafael, Giulio Romano.

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Arte e Patrocínio

A família Medici usou sua vasta fortuna para controlar o sistema político florentino e patrocinar uma série de realizações artísticas.

Pontos chave

Visão geral

Há muito que se discute por que o Renascimento começou em Florença, e não em outros lugares da Itália. Estudiosos notaram várias características únicas da vida cultural florentina que podem ter causado esse movimento cultural. Muitos enfatizaram o papel desempenhado pelos Medici, uma família bancária e mais tarde governante ducal, em patrocinar e estimular as artes. Lorenzo de ‘Medici (1449–1492) foi o catalisador de uma enorme quantidade de patrocínio artístico, encorajando seus compatriotas a encomendar obras dos principais artistas de Florença, incluindo Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli e Michelangelo Buonarroti. Obras de Neri di Bicci, Botticelli, da Vinci e Filippino Lippi foram encomendadas adicionalmente pelo convento di San Donato agli Scopeti, da ordem dos Agostinianos em Florença.

A Casa dos Medici

A Casa dos Medici era uma família bancária italiana, uma dinastia política e, mais tarde, uma casa real que começou a ganhar destaque sob a liderança de Cosimo de ‘Medici, na República de Florença, durante a primeira metade do século XV. Sua riqueza e influência derivaram inicialmente do comércio têxtil guiado pela guilda da Arte della Lana. Como outras famílias signore, eles dominaram o governo da cidade deles / delas, eles puderam trazer Florença debaixo do poder da família deles / delas, e eles criaram um ambiente onde arte e Humanismo pudessem florescer. Eles, juntamente com outras famílias da Itália, como os Visconti e Sforza de Milão, o Este de Ferrara e o Gonzaga de Mântua, fomentaram e inspiraram o nascimento do Renascimento italiano.

As maiores realizações dos Medici foram no patrocínio de arte e arquitetura, principalmente da arte e da arquitetura da Alta Renascença. Os Medici foram responsáveis ​​pela maioria da arte florentina durante o seu reinado. Seu dinheiro foi significativo porque, durante esse período, os artistas geralmente só faziam seus trabalhos quando recebiam comissões antecipadamente. Giovanni di Bicci de ‘Medici, o primeiro patrono das artes na família, auxiliou Masaccio e encomendou Brunelleschi para a reconstrução da Basílica de San Lorenzo, em Florença, em 1419. Os notáveis ​​associados artísticos de Cosimo o Ancião eram Donatello e Fra Angelico. O acréscimo mais significativo à lista ao longo dos anos foi Michelangelo Buonarroti (1475-1564), que produziu trabalho para vários Medici, começando com Lorenzo, o Magnífico, que foi dito ser extremamente apaixonado pelo jovem Michelangelo, convidando-o a estudar a coleção familiar de escultura antiga. Lorenzo também serviu como patrono de Leonardo da Vinci (1452-1519) por sete anos. De fato, Lorenzo era um artista por si só e um autor de poesia e música; seu apoio às artes e letras é visto como um ponto alto no mecenato de Medici.

Na arquitetura, os Medici são responsáveis ​​por algumas características notáveis ​​de Florença, incluindo a Galeria Uffizi, os Jardins de Boboli, o Belvedere, a Capela Médici e o Palazzo Medici. Mais tarde, em Roma, os Papas Medici continuaram na tradição familiar, patrocinando artistas em Roma. O papa Leão X encomendaria obras de Rafael. O Papa Clemente VII encarregou Michelangelo de pintar a parede do altar da Capela Sistina pouco antes da morte do pontífice, em 1534. Eleanor de Toledo, princesa da Espanha e esposa de Cósimo I, o Grande, comprou o Palácio Pitti de Buonaccorso Pitti em 1550. Cosimo, por sua vez Vasari patrocinado, que erigiu a Galeria Uffizi em 1560 e fundou a Accademia delle Arti del Disegno (“Academia das Artes do Desenho”) em 1563. Maria de Médici, viúva de Henrique IV da França e mãe de Luís XIII,

Embora nenhum dos Medici fosse cientista, a família é bem conhecida por ter sido patronos do famoso Galileo Galilei, que ensinou várias gerações de crianças Medici e foi uma figura importante para a busca de seu patrono pelo poder. O patrocínio de Galileu acabou sendo abandonado por Ferdinando II quando a Inquisição acusou Galileu de heresia. No entanto, a família Medici ofereceu ao cientista um porto seguro por muitos anos. Galileu nomeou as quatro maiores luas de Júpiter depois de quatro filhos de Médici que ele ensinou, embora os nomes que Galileu usou não sejam os nomes usados ​​atualmente.

Leonardo da Vinci

Enquanto Leonardo da Vinci é admirado como cientista, acadêmico e inventor, ele é mais famoso por suas realizações como pintor de várias obras-primas da Renascença.

Pontos chave

Enquanto Leonardo da Vinci é muito admirado como cientista, acadêmico e inventor, ele é mais famoso por suas realizações como pintor de várias obras-primas da Renascença. Suas pinturas foram inovadoras por uma variedade de razões e suas obras foram imitadas por estudantes e discutidas em profundidade por conhecedores e críticos.

Entre as qualidades que tornam o trabalho de Da Vinci único são as técnicas inovadoras que ele usou no lançamento da pintura, seu conhecimento detalhado da anatomia, seu uso da forma humana na composição figurativa e seu uso do sfumato. Todas essas qualidades estão presentes em seus trabalhos mais célebres, a Mona Lisa , a Última Ceia e a Virgem das Rochas .

A última Ceia

A pintura mais célebre de Da Vinci da década de 1490 é A Última Ceia , que foi pintada para o refeitório do Convento de Santa Maria della Grazie, em Milão. A pintura retrata a última refeição compartilhada por Jesus e os 12 apóstolos, onde ele anuncia que um deles irá traí-lo. Quando terminou, a pintura foi aclamada como uma obra-prima do design. Este trabalho demonstra algo que Da Vinci fez muito bem: tomar um assunto muito tradicional, como a Última Ceia, e reinventá-lo completamente.

Antes deste momento na história da arte, cada representação da Última Ceia seguia a mesma tradição visual: Jesus e os apóstolos sentados à mesa. Judas é colocado no lado oposto da mesa de todos os outros e é facilmente identificado pelo espectador. Quando Leonardo da Vinci pintou A Última Ceia, colocou Judas do mesmo lado da mesa como Cristo e os Apóstolos, que são mostrados reagindo a Jesus quando anuncia que um deles o trairá. Eles são descritos como alarmados, perturbados e tentando determinar quem cometerá o ato. O espectador também tem que determinar qual figura é Judas, quem irá trair a Cristo. Ao retratar a cena dessa maneira, da Vinci introduziu a psicologia no trabalho.

Infelizmente, esta obra-prima do Renascimento começou a deteriorar-se imediatamente após a pintura terminada de da Vinci, devido em grande parte à técnica de pintura que ele havia escolhido. Em vez de usar a técnica de afresco, da Vinci havia usado a têmpera sobre um terreno que era principalmente gesso na tentativa de trazer os efeitos sutis da pintura a óleo ao afresco. Sua nova técnica não teve sucesso e resultou em uma superfície que estava sujeita a mofo e descamação.

Monalisa

Entre as obras criadas por da Vinci no século XVI, está o pequeno retrato conhecido como Mona Lisa, ou La Gioconda , “o risonho”. Na época atual, é indiscutivelmente a pintura mais famosa do mundo. Sua fama repousa, em particular, no sorriso indescritível no rosto da mulher – sua qualidade misteriosa causada talvez pelo fato de o artista sutilmente ter sombreado os cantos da boca e dos olhos para que a natureza exata do sorriso não possa ser determinada.

A qualidade obscura pela qual a obra é conhecida passou a ser chamada de sfumato, a aplicação de camadas sutis de tinta translúcida para que não haja transição visível entre cores, tons e, muitas vezes, objetos. Outras características encontradas neste trabalho são o vestido sem adornos, em que os olhos e as mãos não têm concorrência de outros detalhes; o pano de fundo da paisagem dramática, em que o mundo parece estar em um estado de fluxo; a coloração moderada; e a natureza extremamente suave da técnica da pintura, empregando óleos, mas aplicada muito semelhante à têmpera e misturada na superfície, de modo que as pinceladas são indistinguíveis. E mais uma vez, da Vinci está inovando em um tipo de pintura aqui. Retratos eram muito comuns no Renascimento. No entanto, os retratos das mulheres estavam sempre de perfil, o que era visto como adequado e modesto. Aqui,

Virgem e criança com Santa Ana

Na pintura Virgem e Criança com Santa Ana , a composição de da Vinci retoma novamente o tema das figuras em uma paisagem. O que torna essa pintura incomum é que há duas figuras oblíquas sobrepostas. Maria está sentada no colo de sua mãe, Santa Ana. Ela se inclina para conter o Menino Jesus enquanto ele brinca com um cordeiro, o sinal de seu próprio sacrifício iminente. Esta pintura influenciou muitos contemporâneos, incluindo Michelangelo, Rafael e Andrea del Sarto. As tendências em sua composição foram adotadas em particular pelos pintores venezianos Tintoretto e Veronese.

Michelangelo

Michelangelo foi um artista florentino do século XVI, conhecido por suas obras-primas em escultura, pintura e design arquitetônico.

Pontos chave

Michelangelo foi um artista florentino do século XVI, conhecido por suas obras-primas em escultura, pintura e design arquitetônico. Suas obras mais conhecidas são o David , o Juízo Final e a Basílica de São Pedro, no Vaticano.

Escultura: David

Em 1504, Michelangelo foi contratado para criar uma estátua de mármore colossal retratando David como um símbolo da liberdade florentina. A obra-prima subsequente, David , estabeleceu a proeminência do artista como um escultor de extraordinária habilidade técnica e força de imaginação simbólica. Davidfoi criado a partir de um único bloco de mármore, e é maior que a vida, como foi originalmente destinado a adornar a Catedral de Florença. O trabalho difere das representações anteriores em que o herói bíblico não é representado com a cabeça do Golias morto, como ele está nas estátuas de Donatello e Verrocchio; ambos haviam representado o herói vitorioso sobre a cabeça de Golias. Nenhum artista florentino anterior havia omitido o gigante por completo. Em vez de parecer vitorioso sobre um inimigo, o rosto de David parece tenso e pronto para o combate. Os tendões em seu pescoço se destacam, a testa franzida e os olhos parecem se concentrar intensamente em algo ao longe. Veias se projetam para fora de sua mão direita abaixada, mas seu corpo está em um contraponto relaxadoposar, e ele carrega sua funda casualmente jogada sobre o ombro esquerdo. No Renascimento, o contrapposto poses foi pensado como uma característica distintiva da escultura antiga.

O David de Michelangelo, 1504 : O David de Michelangelo está em contraposição.

A escultura destinava-se a ser colocada no exterior do Duomo e tornou-se uma das obras mais reconhecidas da escultura renascentista.

Pintura: O Último Julgamento

Na pintura, Michelangelo é conhecido por seu trabalho na Capela Sistina. Ele foi originalmente contratado para pintar os cofres do tromp-l’oeil após o teto original ter desenvolvido uma rachadura. Michelangelo fez lobby por um esquema diferente e mais complexo, representando a Criação, a Queda do Homem, a Promessa de Salvação através dos profetas e a Genealogia de Cristo. A obra faz parte de um esquema maior de decoração dentro da capela que representa grande parte da doutrina da Igreja Católica.

A composição eventualmente continha mais de 300 figuras, e tinha no seu centro nove episódios do Livro de Gênesis, divididos em três grupos: Criação de Deus da Terra, Criação de Deus da Humanidade, e sua queda da graça de Deus, e finalmente, o estado de Humanidade representada por Noé e sua família. Doze homens e mulheres que profetizaram a vinda de Jesus são pintados nos pendentes que sustentam o teto. Entre as pinturas mais famosas no teto estão A Criação de Adão, Adão e Eva no Jardim do Éden, o Grande Dilúvio, o Profeta Isaías e a Sibila Cumaeana. Os ancestrais de Cristo são pintados em volta das janelas.

O afresco de O Juízo Final na parede do altar da Capela Sistina foi encomendado pelo papa Clemente VII, e Michelangelo trabalhou no projeto de 1536 a 1541. O trabalho está localizado na parede do altar da Capela Sistina, que não é uma colocação tradicional para o assunto. Tipicamente, as cenas do juízo final foram colocadas na parede de saída das igrejas como uma forma de lembrar ao observador das punições eternas ao deixar o culto. O Juízo Final é uma representação da segunda vinda de Cristo e do apocalipse; onde as almas da humanidade se elevam e são atribuídas a seus diversos destinos, julgados por Cristo, cercados pelos santos. Em contraste com as figuras anteriores que Michelangelo pintou no teto, as figuras de The Last Judgementsão pesadamente musculosos e estão em poses muito mais artificiais, demonstrando como esse trabalho é no estilo maneirista.

Nesta obra, Michelangelo rejeitou a representação ordenada do último julgamento como estabelecido pela tradição medieval em favor de uma cena de caos rodopiante enquanto cada alma é julgada. Quando a pintura foi revelada, ela foi fortemente criticada por sua inclusão de imagens clássicas, bem como pela quantidade de figuras nuas em poses um tanto sugestivas. A má recepção que a obra recebeu pode estar ligada à Contra-Reforma e ao Concílio de Trento, o que leva a uma preferência por uma arte religiosa mais conservadora, desprovida de referências clássicas. Embora várias figuras tenham sido mais modestas com o acréscimo da tapeçaria, as mudanças não foram feitas até depois da morte de Michelangelo, demonstrando o respeito e a admiração que lhe foram concedidos durante sua vida.

Arquitetura: Basílica de São Pedro

Finalmente, embora outros arquitetos estivessem envolvidos, Michelangelo recebeu crédito por projetar a Basílica de São Pedro. A principal contribuição de Michelangelo foi o uso de um plano simétrico de uma forma da Cruz Grega e uma alvenaria externa de proporções gigantescas, com cada esquina preenchida por uma escadaria ou pequena sacristia. O efeito é de uma superfície de parede contínua que é dobrada ou fraturada em ângulos diferentes, sem os ângulos retos que geralmente definem a mudança de direção nos cantos de um edifício. Esse exterior é cercado por uma gigantesca ordem de pilastras coríntias, todas posicionadas em ângulos ligeiramente diferentes umas das outras, de acordo com os ângulos em constante mudança da superfície da parede. Acima deles, a enorme cornija ondulava em uma faixa contínua, dando a impressão de manter todo o prédio em estado de compressão.